Jesse Chun es una artista cuyo trabajo aborda el lenguaje y su política con la intención de dejar al descubierto nuevas traducciones que se inclinan hacia la poesía, la opacidad y lo intraducible. La práctica de Chun da una nueva autoría a documentos encontrados, papeleo, archivos históricos y narrativas hegemónicas para convertirlos en videopoemas, dibujos, musicalizaciones, paisajes sonoros, esculturas, instalaciones y publicaciones. El proceso conceptual y material de Chun entabla una profunda relación con las huellas lingüísticas que a menudo se pasan por alto, como las malas traducciones, las supresiones, las ediciones y el tartamudeo, para convertirlas en un pasaje activo hacia la legibilidad y la autoría.

La obra de Chun ha sido expuesta internacionalmente en espacios como SculptureCenter, Queens Museum, The Drawing Center, Brooklyn Academy of Music (BAM), The Vera List Center for Art and Politics y Bronx Museum of the Arts en Estados Unidos; el Museum of Contemporary Art Toronto y Oakville Galleries en Canadá, y el Nam June Paik Art Center en Corea del Sur. Entre las comisiones y premios que se le han otorgado podemos mencionar la Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant (2020), el Smack Mellon Artist Studio Program (2020), Triple Canopy (2019) y la National Endowment for the Arts Fellowship en el International Studio & Curatorial Program (2019). Chun es miembro adjunto de la planta docente de la Parsons School of Design (MFA) y fue profesora invitada en el departamento de escultura y medios alternativos de la Virginia Commonwealth University y docente en la BHQFU, entre otras instituciones. La obra de Chun está presente en las colecciones públicas del Museum of Modern Art Library, School of the Art Institute of Chicago’s Joan Flasch Artists’ Book Collection, Smithsonian Institution, Yale University Library, Asia Art Archive in America, Whitney Museum Library y más.

Rob Frye toca instrumentos de viento madera, percusiones y sintetizadores en las bandas chicagüenses Bitchin Bajas, Jackie Lynn y CAVE (Drag City), hace giras internacionales y ha grabado con Ben Lamar Gay (International Anthem), Kaitlyn Aurelia Smith (Western Vinyl) y Circuit des Yeux (Thrill Jockey), entre otros. Desde el 2010 su proyecto Flux Bikes ha impartido talleres, recorridos anuales en bicicleta y presentaciones musicales utilizando energía solar. En el campo del jazz y la música improvisada, a menudo colabora en Chicago y en mayo del 2019 participó en la segunda edición de The Bridge, una red transatlántica de música creativa que une a Francia y Chicago, y Close to There, un intercambio artístico en el que las ciudades de Salvador de Bahía y Chicago se aliaron en febrero del 2020 a través de Comfort Station y Projeto Ativa. 

Lisa E. Harris, conocida como Li, es una artista, cineasta, soprano creativa, intérprete, compositora, improvisadora, escritora, cantautora y educadora independiente e interdisciplinaria de Houston, Texas.

Ha sido reconocida por el Huffington Post como “una de los catorce artistas que están transformando la ópera” y su obra se resiste a ser clasificada en un solo género, ya que se centra en las relaciones energéticas entre el cuerpo, la tierra, el espíritu y el lugar. Usando su voz, el theremín, la fotografía, movimiento, improvisación, meditación y los nuevos medios para explorar la conciencia espacial, el sustantivalismo, el relacionismo, la intuición, la vigilancia panóptica, la sonificación y la personificación, Harris se enfoca en la curación tanto en sus presentaciones como en la vida. Es fundadora y directora creativa de Studio Inertia, un colectivo y compañía de producción de arte en Houston, Texas. Li recibió el Dorothea Tanning Award en Música/Sonido, otorgado por la Foundation for Contemporary Arts.

EJ Hill (1985, Los Ángeles, CA) es un artista cuya práctica incorpora pintura, escritura, instalaciones y performance como una manera de elevar los cuerpos y amplificar las voces que durante mucho tiempo han sido invisibilizadas y silenciadas por las estructuras sociales opresivas. Este acercamiento multifacético proviene de una práctica de performance basada en la resistencia que empuja sus límites físicos y mentales para expandir las condiciones, parámetros y posibilidades que determinan un cuerpo.

Su obra ha sido presentada en exposiciones nacionales e internacionales, entre las que están For a Dreamer of Houses [Para un soñador de casas], Museo de Arte de Dallas (2020); The Lily League [La liga del lirio], Radcliffe Institute, Universidad de Harvard (2020); Lost Without Your Rhythm [Perdido sin tu ritmo], Museo de Arte de Aspen (2018); Made in L.A. [Hecho en L.A.], Hammer Museum Biennial (2018); Rendez-vous, la 14 Bienal de Lyon, Institut d’Art Contemporain, Villeurbanne/Rhône-Alpes, Francia (2017); Artists of Color [Artistas de color], The Underground Museum, Los Ángeles (2017); el Future Generation Art Prize de la 57 Bienal de Venecia, Venecia, Italia (2017); The Necessary Reconditioning of the Highly Deserving [El necesario reacondicionamiento de los que más lo merecen] Commonwealth & Council, Los Ángeles (2017), y Tenses: Artists in Residence 2015-16 [Tiempos: Artistas en residencia 2015-16], The Studio Museum in Harlem, Nueva York (2016).

Hill ha recibido diversos premios y reconocimientos que incluyen una beca del Radcliffe Institute for Advanced Study de la Universidad de Harvard (2018-19); el Foundation for Contemporary Arts Grants to Artists Award (2018); la Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant (2018); el Los Angeles Artadia Award (2018); la Art Matters Foundation Grant (2017); el William H. Johnson Prize (2016) y una beca para Artes Visuales de la California Community Foundation, Los Ángeles (2015). Ha estado entre los finalistas para el Future Generation Art Prize, Victor Pinchuk Foundation, Kiev (2017) y fue un artista residente en The Studio Museum en Harlem, Nueva York (2015-16). Hill obtuvo un MFA de la Universidad de California en Los Ángeles (2013) y un BFA del Columbia College en Chicago (2011).

Roberto Carlos Lange, conocido como Helado Negro (1980), es nativo de Florida del Sur, hijo de inmigrantes ecuatorianos y residente de Brooklyn. La música que crea bajo el nombre de Helado Negro explora su identidad latinx y las sensibilidades pluralistas a través de letras personales y un avant-pop político. En el 2019, fue galardonado con la beca United States Artists Fellowship en Música, así como la beca Grants to Artists de la Foundation for Contemporary Arts. Helado Negro se ha presentado en distintos espacios, desde bares y foros hasta organizaciones culturales como el Wexner Center for the Arts, Columbus, OH; The Getty Center, Los Ángeles, CA; la Margulies Collection at the Warehouse, Miami, FL; el festival Club to Club, Turín, Italia; el festival Vive Latino, Ciudad de México; el Pérez Art Museum, Miami, FL, y el Museum of Modern Art, Nueva York, NY.

Kristi Sword (1980) es una artista visual cuya obra se centra en la escultura cinética a pequeña escala y el dibujo. Su entrenamiento formal en joyería fue la puerta de entrada a su trabajo escultórico. Obtuvo un BFA en Bellas Artes del Savannah College of Art and Design y un MFA de la State University of New York en New Paltz, ambos grados en Metales y Joyería. La obra de Sword ha sido expuesta en el centro cultural 92nd Street Y en Tribeca, así como en el espacio de proyectos de la NARS Foundation en Brooklyn. Ha realizado el arte para las portadas de discos de Helado Negro y Warm Ghost y ha completado residencias artísticas en el Oregon College of Art and Craft y en la Marble House.

Guadalupe Maravilla es un artista visual transdisciplinario, coreógrafo y curandero. A los ocho años, Maravilla fue parte de la primera ola de niños indocumentados que llegaron sin acompañantes a la frontera de Estados Unidos como resultado de la guerra civil en El Salvador en la década de 1980. En el 2016, Maravilla se convirtió en ciudadano estadounidense y adoptó el nombre Guadalupe Maravilla en solidaridad con su padre indocumentado, quien usa Maravilla como apellido. Como reconocimiento a su propio pasado migratorio, Maravilla ancla su práctica en los contextos históricos y contemporáneos de la cultura migratoria, particularmente aquellos de las comunidades latinxs.

Maravilla vive actualmente en Brooklyn, Nueva York. Sus obras forman parte de las colecciones permanentes del Museum of Modern Art, el Whitney Museum of American Art, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid y el Institute of Contemporary Art en Miami. Además, ha presentado su obra y ha realizado performances en el Whitney Museum of American Art, el Metropolitan Museum of Art, el Institute of Contemporary Art Miami, el Queens Museum, el Bronx Museum of the Arts y muchos más.

Entre sus premios y becas están la Guggenheim Foundation Fellowship 2019, Soros Fellowship: Art Migration and Public Space 2019, Map Fund 2019, Creative Capital Grant 2016, Franklin Furnace 2018, Joan Mitchell Emerging Artist Grant 2016, Art Matters Fellowship 2017, Virginia Museum of Fine Arts Fellowship 2018, Dedalus Foundation Grant 2013 y The Robert Mapplethorpe Foundation Award 2003. Sus residencias incluyen LMCC Workspace, SOMA, Skowhegan School of Painting & Sculpture y Drawing Center Open Sessions.

Rob Mazurek (1965) es un artista y abstractivista multidisciplinario que se centra en composición electroacústica, improvisación, performance, pintura, escultura, cine e instalación. Después de haber pasado la mayor parte de su vida creativa en Chicago y Brasil, actualmente vive y trabaja en Marfa, Texas.

Mazurek emergió de la escena musical de Chicago en los años 1990. Ha escrito más de 400 composiciones y aparece en más de 70 grabaciones. Ha dirigido o codirigido varios grupos musicales, entre ellos la Exploding Star Orchestra (con Bill Dixon y Roscoe Mitchell), Chicago Underground (como dúo, trío, cuarteto y orquesta), Isotope 217° (junto con los miembros de Tortoise), Pharoah & the Underground (con Pharoah Sanders), Alien Flower Sutra (con Emmett Kelly), São Paulo Underground y un dúo con Jeff Parker.

Si bien la carrera de Mazurek como músico solista se extiende desde la corneta, el piano y la trompeta piccolo hasta la música concreta y la experimentación electrónica, sus composiciones para ensambles grandes revelan un sentido intuitivo de la escala. En el 2005 fue comisionado por el Chicago Cultural Center y el Jazz Institute of Chicago para formar un grupo que representara la diversidad de la vanguardia contemporánea de la ciudad. Mazurek reunió un conjunto de 14 piezas y empezó a componer música para lo que se convertiría en su Exploding Star Orchestra (ESO). Integrada por artistas de comunidades a menudo segregadas en los lados norte, sur y oeste de Chicago, la orquesta ESO hizo su debut en el epicentro urbano de la capital, Millennium Park, y poco después entró a los Soma Studios de John McEntire para grabar «We Are All From Somewhere Else» [Todos somos de algún otro lugar] (Thrill Jockey, 2007). La discografía de ESO también incluye Galactic Parables Vol. 1 [Parábolas galácticas, vol.1], el triple LP del 2015 lanzado por Cuneiform Records, así como Dimensional Stardust [Polvo de estrellas dimensional], lanzada en junio del 2020 por International Anthem Recording Company y Nonesuch Records.

Los proyectos multimedia de Mazurek han sido apoyados por importantes instituciones de arte, entre las que están la Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts (Chicago, IL), la Real Abadía de Nuestra Señora de Fontevraud (Fontevraud, Francia), The Helen Coburn Meier & Tim Meier Foundation (Chicago, IL), New Music USA (Nueva York, NY), The Andy Warhol Museum, (Pittsburgh, PA) y la Robert D. Bielecki Foundation (Nueva York, NY). Entre sus recientes exposiciones individuales se destacan Cosmic Stacks [Pilas cósmicas] (2020), presentada por Meccaniche della Meraviglia en la Fondazione Vittorio Leonesio (Brescia, Italia); Resonant Stacks [Pilas resonantes] (2019) en MorettoCavour (Brescia, Italia); Desert Encrypts: Volume 2 [Cifras desérticas: volumen 2] (2019) en la Marfa Book Company (Marfa, TX), y Extensions and Other Dimensions [Extensiones y otras dimensiones] en Wrong (Marfa, TX).

Elle Pérez (1989) es une artista del Bronx, NY, que trabaja principalmente en fotografía. Sus fotografías muestran la experiencia de empujar al cuerpo a sus límites. A quienes retrata se transforman a sí mismes, alterando sus cuerpos para crear placer, dolor, comunión y autoreconocimiento. 

Pérez trabaja de manera cercana con las personas que retrata, a menudo sus pares de la comunidad LGBTQIA+, visualizando las complejidades de la identidad de género: las cicatrices que quedan en el pecho tras una cirugía, extremidades entrelazadas después de un momento de intimidad, una andrajosa y desgastada faja compresora de pecho. Las fotografías de Pérez, imbuidas de deseo y un profundo sentido de cuidado por quienes retrata, representan los rastros de experiencias queer y reflejan la siempre cambiante naturaleza de la identidad.

Pérez relaciona esta indefinible e ilimitada cualidad de ser queer con la fotografía, llamando a “la fotografía el contenedor perfecto porque nunca, en realidad, es definitiva».

Pérez ha realizado exposiciones individuales en MoMA PS1 y 47 Canal. Su trabajo se ha presentado en espacios como el Whitney Museum, el Brooklyn Museum y el Barbican Centre de Londres, entre otros. Actualmente es profesore asistente de Arte, Cine y Estudios Visuales en la Universidad de Harvard. También ha enseñado en la Yale School of Art, la Cooper Union y el Williams College. Presidió como decane de la Skowhegan School of Painting and Sculpture del 2016 al 2019.

Pérez obtuvo un MFA en Fotografía de la Yale School of Art, New Haven, (2015) y un BFA del Maryland Institute College of Art, Baltimore (2011).