En la serie Sky Blue Flag [Bandera azul cielo], Byron Kim intenta una tarea casi imposible: hacer que una bandera desaparezca en el cielo. Siguiendo la vena de la pintura abstracta, la obra complica la relación entre la imagen, el objeto y el suelo, mientras deconstruye también el simbolismo que la bandera carga, como lo hizo Jasper Johns con su serie Flags [Banderas].

En Marfa, Sky Blue Flag (2020) utiliza la proporción 4:7 de la bandera mexicana en lugar de la proporción 4:6 de la estadounidense. El color iguala al del cielo de Ciudad Juárez, México, donde la bandera fue fabricada en colaboración con NI EN MORE, un colectivo de realizadoras textiles. El color se consiguió usando tinte de índigo natural, que lentamente se desteñirá durante su instalación. La bandera blanca resultante quizá señala un reto a las firmes demandas sobre el carácter de nación y los territorios.

Entre las iteraciones previas de Sky Blue Flag están: Sharjah Biennial, Sharjah, Emiratos Árabes Unidos (2015), Anyang Public Art Project, Anyang, Corea del Sur (2016), Real DMZ Project, Cheorwon, Corea del Sur (2018) y James Cohan Gallery, Nueva York, Estados Unidos (2018). Acerca de NI EN MORE:  Fundado por las artistas Lise Bjorne Linnert y Janette Terrazas junto a la activista de derechos humanos Verónica Corchado, NI EN MORE es un proyecto de innovación social que une el activismo político, la moda y el arte. Su misión central es proveer ambientes seguros, salarios justos, educación y formación a mujeres que viven en contextos de vulnerabilidad.

Byron Kim (1961) es mejor conocido por su pintura Synecdoche [Sinécdoque], que formó parte de la Bienal del Whitney de 1993. La obra, compuesta por una cuadrícula de paneles que representan el color de la piel humana, es tanto una pintura abstracta monocromática como un retrato colectivo en curso. Su serie semanal de pinturas dominicales, en las que pinta el cielo e inscribe una entrada de diario, combina lo cosmológico y lo cotidiano. Kim recibió el BA en Literatura inglesa de la Universidad Yale en 1983 y asistió a la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan en 1986. Entre sus numerosos premios se encuentran el premio Robert De Niro, Sr. (2019), la beca Guggenheim (2017), el premio Alpert Award en las Artes (2008), la beca de la Fundación Joan Mitchell (1997) y el premio National Endowment for the Arts (1995). Entre las instituciones que han coleccionado su obra están el Art Institute of Chicago, el Berkeley Art Museum, el Brooklyn Museum, el Hirshhorn Museum, el Museum of Contemporary Art San Diego, el National Gallery of Art y el Wadsworth Atheneum Museum of Art.

Hank Willis Thomas retoma el diseño y la forma de una etiqueta de embalaje para su obra en unFlagging [Banderas infatigables]. Bajo el título Life, Handle with Care [Vida, manéjese con cuidado], Thomas altera el texto tradicional y reemplaza frágil por vida para que se lea “Este lado hacia arriba VIDA Manéjese con cuidado”. Thomas cambia los símbolos y el lenguaje y los reintroduce en contextos que crean nuevas lecturas y significados.

Estas etiquetas son omnipresentes en las instituciones de arte, ya que se pegan a cada embalaje que transporta obras. A estos objetos inanimados se les trata con sumo cuidado mientras circulan por el mundo; la bandera de Thomas lanza preguntas al respecto: ¿qué hay de las personas que viven y respiran en nuestras comunidades?, ¿les podemos dar el mismo cuidado que les damos a los objetos de arte?, ¿cómo nos podemos encargar de las necesidades de nuestros conciudadanos? El color rojo vivo de la bandera es un llamado ardiente a reconsiderar cómo se ve el cuidado hoy en día.

Tambien ofrecimos calcomanias de Life, Handle with Care con un codigo QR, en donde puedes escuchar una mezcla de audio; de entrevista, mensajes y musica.

Pia Camil rompe con la forma y función tradicionales de una bandera. Aplicar símbolos abstractos a una tela rectangular quizá pueda ser inadecuado para representar a un grupo de personas. En su lugar, para AIR OUT YOUR DIRTY LAUNDRY,  traducido al Castellano como «Sacar los trapitos al sol,» Camil realiza un retrato de Marfa usando la ropa sucia de sus residentes. La artista pidió a la gente de Marfa que donara artículos personales de su guardarropa o ropa de cama para ser colgados desde el asta bandera en el patio de Ballroom hasta la fachada del edificio. Grabaciones de audio en las que los participantes comparten el significado de los artículos donados acompañan la instalación al aire libre. A cambio, los participantes recibieron un vale para una carga de ropa en Tumbleweed, una lavandería local de Marfa.

Para Camil, las prendas íntimas que viven cerca de nuestros cuerpos todos los días, como nuestra ropa o como las sábanas de nuestras camas, contienen nuestro sudor y nuestros secretos; son testigos de nuestros momentos de alegría y tristeza. La ropa sucia en esta exposición es puesta en primer plano y celebrada en lugar de ser escondida.

Pia Camil (1980) vive y trabaja en la Ciudad de México. La obra de Camil suele estar asociada al paisaje urbano mexicano, al lenguaje estético del modernismo y a su relación con el comercio minorista y la publicidad. Recientemente ella se ha comprometido con la participación cívica como una manera de activar su trabajo y abordar la política del consumismo.

Camil obtuvo un BFA de la Rhode Island School of Design y un MFA de la Slade School of Fine Art de Londres. Su obra ha sido expuesta internacionalmente y entre sus recientes exposiciones individuales se incluyen: Laugh Now, Cry Later [Ríe ahora, llora después] en la Galería OMR, Ciudad de México (2020); Here Comes The Sun [Aquí viene el sol], un performance en el Museo Guggenheim, Nueva York (2019); Fade into Black: sit, chill, look, talk, roll, play, listen, give, take, dance, share [Decolorarse hacia negro: siéntate, relájate, mira, habla, rueda, juega, escucha, da, toma, baila, comparte] en el Queens Museum, Nueva York (2019); Bara, bara, bara en el Tramway Art Space, Glasgow (2019); Telón de oca en el Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México (2018); Split Wall [Pared divisoria] en la Nottingham Contemporary (2018); They [Ellos] en la Galerie Sultana, París (2018); Bara, bara, bara en el Dallas Contemporary (2017); Slats, Skins & Shopfittings [Exhibidores, pieles y accesorios] en Blum & Poe, Nueva York (2016); A Pot for a Latch [Una cacerola por un cerrojo] en el New Museum, Nueva York (2016); Skins [Pieles] en el Contemporary Arts Center, Cincinnati (2015); The Little Dog Laughed [El perro pequeño se rio] en Blum & Poe, Los Ángeles (2014); Espectacular telón en la Galerie Sultana, París (2013), y Cuadrado negro en el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, España (2013).

Dos estrellas solitarias aparecen en la bandera de Jeffrey Gibson titulada one becomes the other [una se convierte en la otra], del 2020. Cuando la bandera se queda quieta, cada una de las estrellas nunca llega a tocar por completo a la otra, pero cuando la bandera ondea y se agita con el viento, las estrellas comienzan a moverse juntas y fusionarse. La música de Laura Ortman, que emana del patio de Ballroom, le da aún más vida a esa interacción.

El símbolo en la bandera es un guiño al lugar de la exposición: Texas, el estado de la estrella solitaria. Aún más notable es la influencia de las colchas de estrellas solitarias realizadas por los pueblos indígenas. Creadas con piezas de tela intrincadamente cosidas para formar una estrella de ocho puntas, las colchas exhiben patrones de diamantes concéntricos que irradian desde su centro. El complejo y vibrante acomodo de los colores realza aún más el efecto palpitante de la estrella. Las colchas de estrellas solitarias se confeccionan como regalos y se obsequian para honrar a individuos en momentos importantes de sus vidas. El artista conoció estas tradiciones rituales y estéticas por primera vez observando a su propia abuela elaborar estas colchas. La bandera de Gibson pone en primer plano la abstracción geométrica que realizan las mujeres nativas en sus colchas y expande nuestro conocimiento del trabajo artesanal y el modernismo. 

Jeffrey Gibson (1972) se inspira en la música popular, la moda, la literatura, la teoría cultural y crítica y su propia herencia individual. Su obra recontextualiza lo familiar para ofrecer un comentario conciso sobre la hibridación cultural y la asimilación de las estrategias artísticas modernistas dentro del arte contemporáneo. El linaje cheroqui y choctaw de Gibson ha brindado una estética reconocible a sus trabajos de bordado con cuentas que exploran deconstrucciones narrativas, tanto de la imagen como de la lengua, y cómo se transmiten a través de la figuración. Es conocido por su reapropiación de objetos encontrados y comerciales, que van desde letras de canciones hasta la “cosidad” literal de los sacos de boxeo Everlast, y que luego reconvierte mediante el uso de las estéticas minimalista y postminimalista. Esta reapropiación dialoga con la historia revisionista de las formas y técnicas modernistas. Las esculturas y pinturas resultantes funden impecablemente la artesanía tradicional nativoamericana con la producción y las referencias culturales contemporáneas, dando forma a obras de arte que hablan de la experiencia de una subjetividad individual dentro de una narrativa más grande que define la globalización contemporánea. 

Una vaguada (o thalweg) es el punto de elevación más bajo de un río, un camino donde las aguas y los sedimentos cambian. Es también la franja que define las fronteras internacionales en una vía fluvial. Marca la división entre el Río Grande y el Río Bravo, por ejemplo, en la politizada frontera entre México y Estados Unidos.

Thalweg Flag [Bandera Vaguada] es una obra de la artista visual y música Lisa Alvarado que demarca un espacio intermedio para sanar fronteras físicas, psicológicas y espirituales entre las personas. La bandera reconoce las vías fluviales fronterizas como una arteria vital para multiplicidades convergentes. Los colores amarillos de la bandera nos recuerdan los brazaletes amarillos impuestos a las familias separadas en la frontera. La simbología de la bandera reconoce el poder de transformación e intercede para sobreponerse a los límites artificiales y a las separaciones forzadas en favor de la unificación.

Sounds for Thalweg Flag [Sonidos para Bandera Vaguada], una obra sonora del ensamble Natural Information, le da aún más vida a la bandera en el patio de Ballroom. Este ensamble musical fue fundado por Joshua Abrams e incluye la participación de Alvarado tocando el armonio. La obra, que incorpora sonidos recientemente compuestos, improvisados y encontrados, está construida con componentes de Thalweg Sounds [Sonidos de Vaguada], una composición realizada para la exposición individual de Alvarado en la Galería Bridget Donahue en el verano del 2020 titulada Thalweg. Con Sounds for Thalweg Flag Alvarado plantea un espacio liminal, un camino fluido de aguas y sedimentos cambiantes en donde las capas de memoria se mezclan y reconfiguran continuamente.

“Thalweg es una serie en curso que empecé en el 2019. Nací y crecí en San Antonio. Mi familia es hispana originaria de Texas y se remonta a muchas generaciones atrás a lo largo del sur del estado. Ciclos de supresión y divisiones forzadas en esta área me llevaron a crear esta serie. Las obras de Thalweg ofrecen un lenguaje abstracto y una forma material de la geografía y la memoria.” — Lisa Alvarado

Lisa Alvarado (1982) es una artista e intérprete de armonio radicada en Chicago. Entre sus exposiciones individuales anteriores están Polyphonic Shadow Cloth [Manta vestigial polifónica], LC Queisser, Tbilisi, Georgia (2018); Sound Talisman [Talismán sonoro], Bridget Donahue, Nueva York (2017), y Traditional Object [Objeto tradicional], Soccer Club Club, Chicago (2013). Entre las exposiciones grupales recientes de las que formó parte están Psychedelic Healing Center [Centro de curación psicodélica], Essex Flowers, Nueva York (2019); Out of Easy Reach [Fuera del fácil alcance], Gallery 400, Chicago (2018); Alan Shields Project [El proyecto Alan Shields], Van Doren Waxter, Nueva York (2018); The Freedom Principle: Experiments in Art and Music, 1965 to Now [El principio de Libertad: Experimentos de arte y música, de 1965 a la fecha], Institute of Contemporary Art, Filadelfia (2017) y Museum of Contemporary Art, Chicago (2016), y Material Issue [Problema material], KMAC Museum, Louisville (2016), entre otras. Alvarado toca el armonio en la banda psicodélica minimalista Natural Information Society. Se ha presentado en numerosos foros entre los que se pueden contar Pitchfork, Chicago (2018); Rewire, Países Bajos (2018); Institute of Contemporary Art, Filadelfia (2017), y Museu Serralves, Portugal (2016). Además de lanzar discos con Eremite Records y Drag City Records, Alvarado se ha presentado con The Black Monks, de Theaster Gates, en el Palais De Tokyo (2019) y documenta 13 (2012); y también participó en la obra At Twilight [En el crepúsculo] de Simon Starling en Common Guild, Glasgow, (2016) y Japan Society, Nueva York (2020).

A la distancia, la bandera de Naama Tsabar titulada Untitled (Without) [Sin título (Ausencia)] del 2020 es un largo pedazo de tela con un hueco rectangular en medio. Donde esperamos ver una bandera, encontramos en su lugar un espacio vacío. En el patio, sus detalles pueden ser vistos y apreciados a una escala más íntima. Si se examina de cerca, es posible ver que la bandera está hecha de tiras de tela blanca unidas con puntadas de colores. Estos colores devienen de la bandera del orgullo y progreso LGBTQIA+ de Daniel Quasar, una versión actualizada de la icónica bandera arcoíris LGBT. Untitled (Without) sugiere que quizá la identidad es mucho más sutil que los llamativos símbolos y objetos que intentan representarnos.

La instalación de Tsabar incluye el trabajo sonoro titulado Ruptures (Opus 1) [Rupturas (Opus 1)] en el que se escuchan diversas voces de mujeres suspirar, cantar, gruñir y respirar. Esta obra explora la voz musical de la mujer como una “anomalía históricamente expresiva, un lugar en el que ocurre una disrupción del orden patriarcal bajo el abrigo de la belleza y la melodía”, dice la artista. Las voces reverberan a lo largo del patio junto a la bandera y nos recuerdan reconocer que lo que no vemos o no ha sido definido puede albergar poder.

Naama Tsabar (1982) emplea la escultura, la fotografía y el performance para subvertir los roles de género históricamente asociados con la maestría musical. Al apropiarse y subvertir los gestos agresivos del rock and roll y sus asociaciones con la virilidad y el poder, Tsabar pone de cabeza los roles de género y comportamientos en clave implícitos en la música y la vida nocturna.

Sus obras e instalaciones sónicas más recientes entretejen acciones y objetos icónicos de la música rock (la guitarra, el amplificador, el micrófono…) con un retrato más íntimo del cuerpo de la artista y su movimiento a través, en medio y dentro de la arquitectura que la rodea. Los motivos de la feminidad, el género, la disrupción, la destrucción y la reconstrucción son recurrentes a lo largo de sus obras y performances.

Entre sus performances recientes están Composición 21, una obra sonora comisionada por el Nasher Museum of Art para la inauguración de su nuevo jardín escultórico en el 2019, y performances en Frieze Projects, Los Ángeles, en el 2020. Tsabar también presentó  performances en ELEVATION 1049 en Gstaad, Suiza, en febrero del 2019, y su obra fue expuesta en el Center for Contemporary Art en Tel Aviv en el 2018, Kunsthaus Baselland en el 2018 y Prospect New Orleans en el 2017. Entre sus próximas exposiciones están The Musical Brain [El cerebro musical], una exposición grupal organizada por Cecilia Alemani para el parque elevado The High Line, y Fantasy America [América de fantasía] en el Andy Warhol Museum de Pittsburgh.

Entre sus exposiciones y performances selectos se encuentran los realizados en Ballroom Marfa, Texas, (2020-21); Schirn Kunsthalle, Fráncfort, (2019); Faena Art Center, Buenos Aires, (2018); SoundKraft en el Museum of Arts and Design, Nueva York (2017-18); The Skin of Sound en el Hessel Museum of Art / CCS Bard, Nueva York (2018); Palais de Tokyo, París (2017); High Line Art, Nueva York (2016); Guggenheim Museum, Nueva York (2014); Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv (2013, 2010); Frieze Projects, Nueva York (2014); Zacheta National Gallery of Art, Varsovia (2014); MARTE-C, San Salvador (2015); MoMA PS1, Nueva York (2010), y The Herzliya Museum for Contemporary Art, Herzliya (2006). Tsabar obtuvo un MFA de la Universidad de Columbia en Nueva York en el 2010 y un BFA de la Facultad de Artes-Hamidrasha de la escuela universitaria Beit Berl, Israel, en el 2004. Su trabajo forma parte de las colecciones permanentes del Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; el San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; el Tel Aviv Museum, Tel Aviv, y el Israel Museum, Jerusalén. Tsabar actualmente vive y trabaja en Nueva York.

Con cada brisa que pasa, las palabras de Rasheed en all things are organized as uncertainty [todas las cosas se organizan como incertidumbre] (2021) revuelven y recombinan significados, recordándonos que las banderas son inherentemente mutables. De un lado, y contenidas en esferas blancas, leemos las palabras y frases en inglés “todas las cosas están organizadas”, “como extraños aleteos de incertidumbre”, “el tiempo tiene una estructura ancha”; al reverso vemos “extraños aleteos”, “detrás de este verso cósmico”. Estas palabras y esferas flotan por encima de gráficos que nos hacen pensar en representaciones geológicas o cósmicas. Brochazos blancos y negros señalan movimiento y toman forma con capas de patrones circulares rosas y fucsias. Este orden cambiante nos permite leer la bandera de distintas maneras y revela nuevos significados desde lo que se puede ver y lo que se oculta, presentando así un gesto poético en movimiento.

La práctica de Rasheed, quien se describe como una aprendiz, usa forma y texto para revelar una cosmología en flujo constante. Su trabajo usa las propiedades generativas de lo incompleto y el juego poético para ayudar a que el espectador forme sinapsis y descubra nuevos significados. En all things are organized as uncertainty (2021), las enunciaciones en movimiento provocan que el lector pause y reflexione sobre lo que significa leer a fondo, leer de cerca, leer con eficacia.

“Si las palabras nunca se quedan quietas y estamos constantemente entablando actos de (des)aprendizaje, eso significa que debo mantenerme sensibilizada a metodologías generativas e interdependientes de narración negra que nutren nuestras maneras de leer, escribir, hablar, escuchar, archivar y conocer que desafían la irreversibilidad, el encierro, el significado fijo y la muerte de ser capturada.” – Kameelah Janan Rasheed

Kameelah Janan Rasheed (1985) está dedicada a cambiar los ecosistemas de las epistemologías negras y las ágiles relaciones entre los diversos modos de leer, escribir, archivar, editar, traducir, publicar, reflexionar y organizar narrativas sobre las experiencias negras vividas. A partir del interés que tiene por las cualidades generativas de la incompletitud, la fuga, la dispersión, el sincretismo (espiritual y de otros tipos) y la coreografía (de movimiento, de aprendizaje, de afectos…), Rasheed trabaja a lo largo de un ecosistema de proyectos iterativos y provisionales. Estos proyectos incluyen desbordantes collages de escala arquitectónica a base de fotocopias, instalaciones a gran escala de letreros espectaculares con textos, publicaciones, archivos digitales, conferencias performativas, intervenciones en bibliotecas, poemas y gestos poéticos y otras formas que todavía no se han determinado. Rasheed ha expuesto su obra en la Bienal de Venecia del 2017; el CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco; el Institute for Contemporary Art, Filadelfia; el Pinchuk Art Center, Kiev, Ucrania; el Mass MoCA, Williamstown; Brooklyn Museum, NY; el Queens Museum, NY; el New Museum, NY; el Studio Museum en Harlem, NY; el Bronx Museum, NY; la Biblioteca Pública de Brooklyn, NY; el Schomburg Center for Research in Black Culture, NY, y The Kitchen, NY, entre otros. Es autora de dos libros de artista, An Alphabetical Accumulation of Approximate Observations [Una acumulación alfabética de observaciones aproximadas] (Endless Editions, 2019) y No New Theories [Ninguna teoría nueva] (Printed Matter, 2020).

unFlagging is made possible by the generous support of The Brown Foundation, Inc.; Humanities Texas; Lebermann Foundation; National Endowment for the Arts; Texas Commission on the Arts; Ballroom Marfa’s Board of Trustees; Ballroom Marfa International Surf Club and Ballroom Marfa members. 

Special thanks to artists and Helen Banach, Brian Barlow, Blum & Poe, Jimena Camou, James Cohan Gallery, Dixie Flag San Antonio (Lorena Ortega & Vanessa Van de Putte), Bridget Donahue, Lilah Dougherty, Ricardo Gallo, Tal Gilboa, Mckenzie Goodman, Kristian Henson, Sikkema Jenkins & Co., Kasmin, Roberto Carlos Lange & Kristi Sword, Nora Lawrence, Lehmann Maupin, Carolyn Macartney, Ni En More (Janette Terrazas & Maritza Uscanga), Luca Piccin, Real DMZ Project, Red Canary Studio (Anne Schroth), Francisco Rosas, Bill Singer, and Gory Smelley.